EL PRIMER VILLANCICO...

Llegan las navidades y con ellas los villancicos, canciones estas que han evolucionado muchísimo a lo largo de la historia. Así que vamos a analizar algunas claves de su evolución.

Durante siglos los villancicos han ambientado el espíritu de la Navidad. Las tradicionales melodías con múltiples adaptaciones, de acuerdo a cada país, recuerdan año tras año el nacimiento de Jesús.

La tradición popular llevó después a que el género musical navideño, no sólo a nivel litúrgico, alcanzara una enorme producción y creatividad.

En castellano la palabra villancicos deriva del término "canción de villa". En inglés en cambio, se les denomina "carols", que viene del francés caroler, que significa bailar haciendo ronda.

Villancicos tradicionales

El villancico más antiguo, que registra la historia de la música es "IesusRefulsitOmnium", (Jesús, luz de todas las naciones) data del siglo IV, y su letra se le atribuye a san Hilario de Poitiers.

El más conocido, en cambio es "Noche de paz". Su título original es "Stillenacht, heiligeyach" y fue escrito, podría decirse "accidentalmente" por el sacerdote austriaco JosephMohr quien al ver que se había malogrado el órgano de su parroquia, la capilla de San Nicolás, ubicada en la pequeña población de Oberndorf, decidió escribir un canto que pudiera interpretarse con guitarra en la misa de gallo.

Fue así como la navidad de 1818 se cantó por primera vez "Noche de Paz", actualmente traducido a 330 idiomas.


Otro de los cantos más conocidos en los países de habla inglesa es "JoytotheWorld" escrito por Isaac Wats, inspirado en el salmo 98 ("Cantad al Señor un cántico nuevo porque ha hecho maravillas") y cuya música se le atribuye a FedericoHendel, debido a que las partituras coinciden en varias partes del canto con su célebre obra "El Mesías".

Por su parte, en Italia el villancico más conocido es "Tu scendi dalle stelle" (Tu bajas de las estrellas), escrito por San Alfonso María de Ligorio. Mientras que en Francia está "Ilestne le divinenfat", "Ha nacido el divino niño", traducido al inglés en varias versiones.

En España, especialmente en Castilla, los villancicos surgieron en el siglo XV. Se le daba este nombre a cantos compuestos por estribillos o coplas cuyo contenido no necesariamente era de carácter religioso. Tres siglos más tarde, comenzó a usarse este género para que el pueblo pudiera meditar sobre algunos episodios de la vida de Jesús.

La mayoría de los villancicos polifónicos de los siglos XV y XVI se hallan en los “cancioneros”, colecciones de música profana. Los más famosos son: Cancionero de Palacio, Cancionero de la Colombina, Cancionero de Upsala, Cancionero de Sablonara, Cancionero de Segovia y Cancionero del Duque de Calabria. Destaca en la composición de villancicos el salmantino Juan del Encina.

En Latinoamérica cada país tiene sus propios villancicos y diversas maneras de interpretar los cantos de navidad universales. En Argentina está "Vamos Pastorcitos" y el "Huachito Torito", en Venezuela "Mi burrito sabanero", en Perú "Llegaron ya", un canto a los reyes magos, en Panamá "Dime niño de quién eres". En Colombia, por su parte está "Tutainatuturumaina" y en Honduras,"Caminando por Tegucigalpa". Son típicas de Ecuador las tradicionales posadas, un canto que cuenta cómo María y José buscan un lugar donde el Niño Jesús pueda nacer.

Los villancicos originarios de cada país no necesariamente fueron escritos allí, muchos son adaptaciones de cantos españoles como el caso de "Antón tiruriru", muy conocido en Colombia, que es en realidad la adaptación del villancico catalán "La pastora Caterina"


Después, bastante después, llegamos nosotros con el “Campana sobre campana” y el “Tamborilero”. Y lo hemos evolucionado y hemos pasado de la polifonía renacentista a las versiones rockeras.

CONCIERTO EN LA PLAZA DEL BULEVARD

 Nuestros alumnos de combo nos deleitaron el pasado viernes con un conciertazo en la plaza del centro comercial del Boulevard en Vitoria Gasteiz.

El Black Friday nunca tuvo tanto ritmo!!

EL recital terminó con foto de grupos y fiebre consumista... ¡Gracias por el show chicos!

CON LA MUSICA A OTRA PARTE

LAS MUSICA DESAPARECE DE LAS AULAS

 Primero primaria y ahora secundaria, la música va desapareciendo de las aulas sin remedio, la situación es cada vez mas grave y varios medios de comunicación se han hecho eco del empeoramiento de la situación:

La música no está ni se la espera (aunque debería) en las aulas españolas. Tanto es así que este curso se quedó fuera de los currículos de Primaria como asignatura troncal (es decir, las obligatorias que decide el Estado: Lengua, Matemáticas, Ciencias y un idioma extranjero) y la formación musical se dejó al criterio de las comunidades autónomas, que decidían temario y horas semanales. Y el próximo curso habrá más (o menos, mejor dicho) porque la LOMCE llega a Secundaria con idéntico panorama.

El resultado más evidente es una educación musical desigual para los estudiantes según la región en la que vivan. Pero los efectos a largo plazo de tratar la música como una de esas asignaturas que “distraen”, como dijo el ministro de Educación y Cultura,  y que casualmente no computan en las pruebas PISA, entronca con la generación del nuevo público y de la cantera de artistas.
“Cualquier normativa que aleje o no facilite el acceso de los menores a la música desde la edad más temprana lastra también su interés. Es difícil que tengan interés por algo que ni siquiera saben que existe”, afirma Diana Cortecero, codirectora de la promotora La Fonoteca, en relación al conjunto de enseñanzas artísticas tratadas tradicionalmente como marías. 
 
Carlos Jean recordaba junto a Diana Navarro y los alumnos de la Escuela de Música Creativa dentro del primer encuentro organizado en España por la Fundación Cultural Latin Grammy, cómo era esa maría en su época. “Era un rollo absoluto porque había muy poca práctica. No eran clases de música, eran clases de historia. Y creo que la música da muchas cosas como disciplina, capacidad de comprensión, empatía… y serías mejor matemático sabiendo música, o físico e incluso mejor persona, porque relaja la forma de entender la vida. Es una asignatura de las más importantes, y no lo digo porque sea músico sino porque estoy totalmente convencido”

La pérdida de peso de la asignatura de música lleva siendo progresiva en el sistema educativo español a golpe de reformas legales. “En los años noventa, la LOGSE introdujo plástica, música y tecnología en todos los cursos de Secundaria –en 4º era opcional-, pero cada ley que ha venido ha supuesto un mordisco” hasta el “ninguneo” actual, explica Blanca Domínguez, presidenta de la Confederación de Asociaciones de Educación Musical (COAEM). El resultado este año, prosigue, no ha sido especialmente alarmante en Primaria dado el número menor de materias, pero para Secundaria, con los borradores autonómicos encima de la mesa, ya se aprencian desigualdades notables.

Como cierre me gustaría añadir que mientras aquí la música desaparece en paises como Suiza su enseñanza, presencia, acceso y universalidad en la educación ha sido aprobada por ley.

 Saludos.

LECCIONES DE PIANO: LA POSTURA

Las profesoras de la escuela han compartido con nosotros esta lección sobre la postura correcta al piano para que cuando os dispongais a practicar lo tengais en cuenta.

LOS BENEFICIOS DE TOCAR UN INSTRUMENTO

 TOCAR UN INSTRUMENTO ES BENEFICIOSO

 Sobretodo a edad temprena, ya lo sabíamos... pero aún así sorprende cada vez que publican un estudio.
 
Practicar de forma habitual mejora las habilidades del lenguaje, la memoria, la conducta o la inteligencia espacial…
Durante la última década se ha generalizado la investigación con músicos profesionales para el estudio de la plasticidad del cerebro.

Lutz Jäncke, profesor del Instituto Tecnológico de Zúrich (Suiza), ha recogido la mayor parte de los estudios realizados en la página web “Faculty of 1000″, donde más de 2.000 científicos relevantes opinan sobre la investigación científica principal.

Mejorar la inteligencia

Jäncke propone la música como terapia neuropsicológica, ya que mejora, sin duda, las habilidades del lenguaje, la memoria, la conducta o la inteligencia espacial (capacidad para percibir de forma detallada el mundo y formar imágenes mentales de los objetos).
Esta última es fundamental para los pensamientos de la vida cotidiana, desde solucionar problemas matemáticos complejos hasta envolver el almuerzo diario.
Un estudio llevado a cabo con niños de seis años, a quienes se enseñó a tocar un instrumento durante 15 meses seguidos, demostró que, al final del entrenamiento musical, todos los menores experimentaron cambios en su anatomía cerebral.
Las áreas usadas para procesar la música resultaron ser mayores y más activas.
Publicado recientemente en la revista “Journal of Neuroscience”, es el primer estudio que se realiza sobre esta temática.

Las regiones afectadas empiezan a cambiar, incluso, a los pocos meses de iniciar el entrenamiento musical. 

Otra investigación canadiense de la Universidad McMaster, elaborada en 2006, señalaba que los cambios se comienzan a detectar a partir de los cuatro meses de enseñanza.

Terapia musical

Las regiones del cerebro implicadas en el procesamiento de la música también son necesarias para otras tareas, como la memoria o habilidades del lenguaje.´
Por tanto, “si la música tiene una fuerte influencia en la plasticidad del cerebro, es posible que este mismo efecto pueda utilizarse para mejorar el rendimiento cognitivo”, asegura Jäncke.
Por este motivo, propone aprender a tocar un instrumento como terapia neurocognitiva. Uno de los estudios más importantes en este sentido lo realizó Teppo Sarkamo, neurólogo de la universidad de Helsinki, en 2008.
En él, intentó examinar si escuchar música a diario aumentaba las probabilidades de recuperar las funciones neurocognitivas y del estado de ánimo tras un accidente cerebrovascular (ictus).
Los resultados mostraron una mejora significativa en la recuperación de la memoria verbal y de la capacidad de atención.
También hubo una mejora sustancial del estado de ánimo. Según Jäncke, la música puede utilizarse como una herramienta no invasiva para terapias neurológicas. La formación musical, además, podría mejorar las habilidades lectoras y de escritura, más si se utiliza con niños disléxicos.

Todo ventajas

Además de los beneficios fisiológicos citados, la práctica de tocar mejora el estado anímico de los niños y su relación con los demás. Carolyn Phillips, directora ejecutiva de la Joven Sinfónica de Norwalk es autora de “Twelve Benefits of Music Education”, donde enumera las ventajas globales de la música.
En el terreno individual, tocar un instrumento convierte a quien lo hace en una persona metódica que cuida los detalles (de lo contrario, no suena bien), planifica bien las tareas y tiene mucha capacidad de atención.
Esta conducta puede trasladarse a la labor propia del estudiante, a quien se exige calidad y resultados.
La música es un medio de expresión, y una consecuencia de ello es una buena autoestima.
Enseña a los jóvenes a vencer el miedo y asumir riesgos, aporta seguridad y autoconfianza.
Si se forma parte de una orquesta o grupo, la práctica mejora el trabajo en equipo (para lograr un objetivo único) y la disciplina: para que una orquesta suene bien, el conjunto debe trabajar en armonía.
Favorece el compromiso para aprender, asistir a los ensayos y practicar en casa.


Aqui os dejo un canal de youtube que trata estos temas:

UN EJEMPLO DE SUPERACION Y COMPAÑERISMO

 LA BATERIA ELECTRONICA DE RICK

 Hoy le dedicamos la entrada del blog a uno de los ejemplos de superación mas notorios de la historia de la musica....al menos de la historia del rock.
Habíamos leído sobre lesiones como la de Shumann, o parálisis como la de Francisco Tárrega y que aun así continuaron con su carrera musical.
Hoy analizamos la historia y de Rick Allen, un luchador a las baquetas y el ejemplo de compañerismo de los miembros de su banda. Empezamos con una pequeña biografía.

Juventud: Rick Allen comenzó a tocar utilizando como batería los utensilios de cocina de su madre cuando tenía cinco años, utilizando una pandereta como percusión adicional. Con diez años, convence a sus padres para que le compren un batería, prometiéndoles recibir lecciones y pagando la mitad del coste. Después de seis meses de clase, empieza a tocar en su primera banda, Smokey Blue. Más tarde tocaría en otras bandas como Rampant y The Johnny Kalendar Band.
Def Leppard: Con tan sólo quince años, responde a un anuncio de una banda que busca un batería, y el 28 de noviembre de 1978 consigue el puesto en el grupo de rock Def Leppard, reemplazando a Frank Noon. En 1979 deja la escuela, al mismo tiempo que los otros miembros del grupo dejan sus trabajos, para dedicarse completamente a su carrera musical. En septiembre de ese año, ellos tocan con Sammy Hagar en el Hammersmith Odeon de Londres. En octubre y noviembre tocan junto AC/DC. Allen celebra su 16 cumpleaños tocando en el Hammersmith Oden. El 14 de marzo de 1980, Def Leppard saca su primer álbum, On Through The Night.

Accidente y recuperación: El 31 de diciembre de 1984, mientras conduce cerca de Sheffield (Reino Unido), choca contra un muro. Su brazo izquierdo sufre una grave herida debido a que el cinturón de seguridad no estaba bien colocado. A pesar de los esfuerzos médicos, el brazo se infecta y es amputado. Con perseverancia, la ayuda de sus compañeros de trabajo que decidieron suspender gira y grabación hasta recuperarle y una batería personalizada, él permanece en el grupo para continuar con grandes éxitos. El batería de Status Quo, Jeff Rich, fue una inestimable fuente de ayuda y coraje durante la convalecencia de Allen. Después de muchas horas de discusión decidieron intentarlo y desarrollaron la famosa batería electrónica. Después de muchos intentos y con mucha determinación finalmente lo consiguieron con lo que fue una revolución en la tecnología de baterías. Un único pedal con un sistema disparador con el que Allen era capaz de tocar más o menos como lo hacía antes. Allen volvió con gran éxito en el festival Monsters Of Rock en Castle Donington en 1986. En agosto de 1987, la banda publica su cuarto álbum. Hysteria’, que fue un gran éxito que vendió más de 15 millones de copias. Allen ha editado seis álbumes más con Def Leppard.

La batería tras el accidente
Después del accidente de Allen, Simmons, una compañía destacada por fabricar baterías electrónicas diseño a medida un conjunto para Allen. Dado que las baterías electrónicas son poco más que “disparadores” que notan cuando se golpea con la baqueta o el movimiento del pedal, la batería de Allen tenía los principales tambores situados enfrente de él y a su derecha (para tocar con el brazo que le quedaba) y los principales pedales a su izquierda, los cuales disparaban el sonido de la caja y de los timbales. Allen debió aprender a como tocar con su brazo derecho y su pie izquierdo lo que antes tocaba normalmente con su brazos derecho e izquierdo. Allen también experimento con lo que el llama “trucos tecnológicos” usando hardware de compañías como ddrum y Acupad. En años más reciente, como el sonido de los años 1980 casi ha desaparecido, el sonido de Allen ha cambiado hacia una música más acústica, un sonido más natural, pero aún a través del uso de samplers. En este caso, los samplers son cargados con grabaciones actuales de Allen en una batería acústica, que son finalmente mezclados, haciendo así difícil distinguir entre el sonido de los samplers y el de la batería con la toca durante la actuación.

Bueno me despido con un video de rick en acción:

 

 LA LOLA DE ELVIS PRESLEY

Repasando la pagina de Gibson, la mítica fabrica de guitarras, me he topado con un articulo sobre su J-200 la guitarra super Jumbo, guitarra barrigona que diseñaron para tratar de destronar a la dreadnought de Martin,  que te destroza el hombro cuando llevas un buen rato tocando pero lo bien que suena en  discos y directos de artistas tan ilustres como Bob Dylan o Elvis...así que no me puedo resistir y  comparto algunos datos con vosotros.






La guitarra fue lanzada en 1938 como la ‘Super Jumbo’, la mejor entre la línea de las ‘Flat Top’. Diseñada y concebida en la famosa fábrica de Gibson en Kalamazoo (Michigan), la J-200 tiene un cuerpo grande de 16-7/8”, madera de palo de rosa y al comienzo únicamente tenía acabado ‘sunburst’. Teniendo en cuenta que se vivía una época difícil en la economía, luego de la depresión en Estados Unidos, la Super Jumbo fue inicialmente fabricada en cantidades limitadas y por órdenes especificas.

 En 1939 su nombre cambió por Super Jumbo 200. Como era tradicional por Gibson, algunos nombres fueron pensados con base en el precio, así la Super Jumbo 200 tenía un valor de 200 dólares de la época. Nada que ver con los 3100 que podría alcanzar hoy. Por 50 dólares extra podías tener tu nombre en el traste.

3. El modelo original Super Jumbo 200 es muy difícil de encontrar, algunos registros indican que en los primeros cuatro años, antes de que Estados Unidos participara en la Segunda Guerra Mundial, Gibson fabricó únicamente 100 SJ-200.

 En 1947 la combinación de maderas cambió. La contratapa y los costados eran en arce. Algunos fanáticos y puristas del sonido prefieren el arce que permite más limpieza entre las notas. Pero los primeros modelos fabricados en palo de rosa tienen un valor muy alto entre coleccionistas, especialmente por su rareza.

A partir de 1955 el nombre se simplificó a lo que hoy es simplemente la Gibson J-200. Así, la referencia SJ-200 ha sido utilizado para modelos especiales.

¿Cuál es la guitarra que se ve en el álbum de Bob Dylan que tiene como fondo el cielo de Nashville (Tennessee)? Es la famosa J-200 que Dylan recibió como obsequio por parte de George Harrison. Dylan uso esa guitarra en vivo durante el festival Isle of Wight en Inglaterra en 1969.


El mismo George Harrison era un gran fanático de la J-200. El hizo la transición de las guitarras acústicas Epiphone que uso para la grabación del álbum The Beatles, mejor conocido como ‘The White Album’. Para “For You Blue”, “Here Comes the Sun”, “While My Guitar Gently Weeps”, “Long, Long, Long” y “Piggies”, Harrison nunca abandonó su querida Gibson J-200.

 La Gibson J-200 fue definitiva para crear el sonido acústico de Pete Townshend con The Who. Cuenta que escribió “Pinball Wizard” y grabó los primeros bocetos de canciones de discos como ‘Tommy’ y muchos otros más. Elegí una entre cinco que vi en la tienda Manny’s en Nueva York en 1968”, cuenta Townshend. “Tenía un sonido muy brillante y un mástil muy cómodo. Fue luego que descubrí que la J-200 también responde cuando tocas con fuerza. Son muy completas, tiene un sonido real y distintivo, además de la forma de su cuerpo, todos elementos muy importantes para mí. Además se ven muy lindas”.



 La guitarra J-200 preferida por Townshend explotó.   Ocurrió cuando trabajaba en su álbum de solista ‘Iron Man’ en 1990 cuando tuvo un particular accidente. “No tengo una interpretación simbólica sobre los instrumentos musicales, simplemente son madera y un elemento que algunos aprovechamos más que otros. Pero hay un par de guitarras que si puedo considerar como únicas y que extraño. Algo muy extraño pasó con una J-200 con la que venía trabajando durante mucho tiempo. En medio de la grabación de ‘Iron Maiden’ la guitarra se mojó y de la nada explotó. Fue como si las guitarras estuviesen vengándose de mí, era ver cómo la guitarra que más quería ‘moría frente a mí. Pete donó la guitarra original al Salón de la Fama del Rock and Roll de Cleveland (Ohio) en 1983. Gibson luego colaboró para la creación de su modelo signature.

 Elvis Presley es otro artista que fue reconocido por utilizar la J-200. En octubre de 1956, Elvis compró una J-200N nueva, con el número de serie #A22937, para ser más específicos. ‘El Rey’ utilizo esa guitarra en la mayor parte de sus shows de 1957.

 Chris Martin, el vocalista de Coldplay subastó su J-200. A finales del 2009, la banda realizó un evento benéfico titulado “End of Decade Clearout Sale” para miembros de su club de fans, que incluía venta de instrumentos, ropa y objetos personales de los integrantes de la banda. La Gibson J-200 KC1 con la que grabó” Til Kingdom Come” fue subastada por £5100; su J-200 M1 con la que grabó “A Message” alcanzó las 5.650 libras esterlinas. Al final se reunieron más de 400 mil dólares que fueron destinados para una entidad benéfica que atiende a los niños pocos favorecidos en Inglaterra.




  Jimmy Page tocó su Gibson J-200 en la mayoría de los cortes acústicos Led Zeppelin. Algunos cuentan que Page pidió “prestada” su primera J-200 en un estudio cuando trababa el guitarrista de sesión inglés Jim ‘Big’ Sullivan. En su trabajo previo a Led Zeppelin, Jim era conocido por ser guitarrista de estudio y lo apodaban “Little”. El sonido de su Gibson J-200 es distintivo en cortes como “Babe I’m Gonna Leave You”, “Your Time is Gonna Come” y “Black Mountain Side”.


En fin, este es un resumen de la larga historia de esta guitarra...además el diseño no puede ser mas bonito. Vosotros que opinais?

UN POCO DE HUMOR

UN POCO DE HUMOR

Me topé con este video en el youtube que aunque exagerado nos recuerda alguna experiencia vivida en los locales....

CUMPLEAÑOS DE MUSICOS ILUSTRES II

WYNTON MARSALIS

Hoy cumple 54 años el trompetista y compositor de jazz nacido en Nueva Orleans, Wynton Marsalis, elegido recientemente por la prestigiosa revista Time como una de las 25 personas más influyentes de EEUU. En los años ochenta Wynton saltó de la escena jazz de Nueva Orleans al reconocimiento artístico internacional.

Hijo de Ellis Marsalis, pianista músico y profesor de jazz y hermano de Branford, Delfeayo y Jason, saxo, trombón y batería, respectivamente, inició estudios de trompeta cuando contaba 12 años. Más adelante cursó estudios en el Berkshire Music Center de Tanglewood en Massachussets, y en la Academia Juilliard de Nueva York. Con sólo 18 años, realizó una gira con el grupo del percusionista Art Blakey y los Jazz Messengers y con el novedoso cuarteto V.S.O.P. del pianista y compositor Herbie Hancock.

En 1981 grabó 'Wynton Marsalis', su primer álbum como líder de su propia banda para el sello que lo encumbró a la fama: Columbia. Elevado por unos a la cima del jazz y clasificado casi como un genio por sus incondicionales, para otros, Wynton Marsalis, no era mas que un mal remedo de Miles Davis y prácticamente un impostor de su música. Al margen de elogios y criticas, Wynton graba en 1985 el álbum que le ayudaría a consolidar su carrera y a confirmarse como un gran trompetista de jazz: 'Black Codes'.

Lincoln Center Jazz Orchestra

En verano de 1987 Marsalis presentó una serie de conciertos, Classical Jazz, auspiciado por el Lincoln Center, la institución artística más importante de Nueva York. Así empezó una colaboración única entre los atistas y el centro, que ha originado programas de educación de gran alcance, colaboraciones de grupos de jazz y formaciones de música de cámara, orquestas y compañías de ballet, incontables producciones de radio y TV, la trotamundos Lincoln Center Jazz Orchestra y al mismo Wynton.

Sus trabajos a principios de los noventa combinan álbumes de música clásica con improvisaciones originales del jazz como su magnífica obra para ballet moderno 'Citi Movement'. En 1993, actúa con la soprano Kathleen Battle y en 1995, es nombrado director artístico del programa 'Jazz at Lincoln Center' de Nueva York.

Kathleen Battle y Marsalis

En 1997 fue el primer músico de jazz que ganaba el Premio Pulitzer en la categoría musical con el disco 'Blood on the Fields', un oratorio épico sobre la esclavitud. Para celebrar la llegada del milenio compuso 'All rise', para big band, coro de 100 voces y la New York Philarmonic Orchestra.
En octubre de 2004 vio hecho realidad su sueño: la inauguración de la temporada del 'Jazz at Lincoln Center' en la nueva y perfecta Rose Hall, una sala multiusos etiquetada como la primera en ser diseñada específicamente para el jazz.

Wynton Marsalis, aún hoy es un personaje controvertido en el mundo del jazz y ha tenido varios enfrentamientos dialécticos con colegas de profesión como Keith Jarrett, Lester Bowie o el mismo Miles Davis que dudaron o dudan de su talento, pero es sin duda uno de los grandes músicos de jazz contemporáneos.

CUMPLEAÑOS DE MUSICOS ILUSTRES

 FELIZ CUMPLEAÑOS CARLOS!!

54 años cumple hoy el músico español Carlos Goñi, conocido por su militancia en grupos como Garage y Comité Cisne, y por ser el fundador de la banda Revólver.

Nació en el barrio de Las Ventas de Madrid aunque a los seis años su familia se mudó a Campello (Alicante). Estudió en los Agustinos de Alicante, en cuyo equipo de baloncesto militaba, pero una lesión grave le obligó a dejar el deporte de competición, iniciando así su afición a la composición y a la música. Durante su convalecencia, formará junto a Basilio Montes el grupo Garage. En 1983, cuando están a punto de fichar por un sello discográfico, se disuelve la formación.

Comité Cisne

En navidades de 1983, nace Comité Cisne, nuevo grupo integrado por Goñi y por miembros del ya extinto grupo valenciano Glamour, entre los que figuran Remy Carreres, Lino Oviaño y Jose Luis Macías. En él Carlos Goñi era guitarrista, compositor y cantante principal. Entre 1985 y 1988, publicarán tres álbumes de estudio y un EP, entre los que destacan los temas 'La retirada', 'Ana Frank', 'Dulces horas' y 'Mírame'. En octubre de 1988, tras publicar 'Beber el viento' y planear una reestructuración del grupo, Carlos Goñi abandona Comité Cisne.

En enero de 1989, Carlos Goñi funda Revólver junto a Rafael Pico, anterior miembro de Comité Cisne, Jorge Lario y Sergio Roger. y publican su primer trabajo, 'Revolver' en 1990 al que siguió 'Si No Hubiera Que Correr'. A lo largo de los años y hasta la actualidad, Revólver se convertirá en sello de identidad de Carlos Goñi, sirviéndole a modo de seudónimo para publicar sus álbumes. Con una imagen a lo Bruce Springsteen y una música inspirada en los sonidos del country rock americano, Goñi y Revolver alcanzaron lo más alto de las listas en 1993, año en el que graban en los estudios de los 40 Principales su primer 'Básico' que se convierte en el primer unplugged español. En él interpreta, entre otros, sus populares temas 'Como único equipaje', 'Si es tan sólo amor' y 'El roce de tu piel'.

Hasta la fecha ha publicado una docena de álbumes como 'El Dorado' (1995), 'Calle Mayor' (1996), 'Básico 2' (1997), 'Sur' (2000), 'Mestizo' (2004), 'Básico 3' (2006) y '21 Gramos' (2008) con temas como 'No va más', 'Mi rendición', 'Tú y yo', 'Sara', 'Lo que Ana ve'  'Lecho de rosas' y 'Tiempo pequeño'. Desde finales de los años 90 posee además su propia discográfica, Nena Records.

En noviembre de 2009 publicó una caja recopilatoria con cuatro CDs, dos DVD y un libro, 'Que veinte años no es nada', en los que resumió sus veinte años de carrera con Revólver. En 'Argan' (2011), grabado en Marrakesh, Goñi experimenta con los sonidos árabes dejando que estos se fundan con su habitual country rock tejano con reminiscencias mexicanas. El 21 de febrero de 2013 Carlos grabó un concierto eléctrico en la sala Joy Eslava de Madrid, que publicó como 'Enjoy' en agosto del mismo año. En febrero de 2015 salió a la venta el décimo álbum de Revólver, 'Babilonia'. Le precedió el sencillo 'Entre las nubes', publicado en diciembre de 2014.

EL NUEVO CURSO YA ESTÁ EN MARCHA

¿Habéis disfrutado bien de vuestras vacaciones?

Por nuestra parte el profesorado de Udaberria se ha estado preparando físico y mentalmente para dar lo mejor de sí mismos este curso. 

Nuestros alumnos han venido en plena forma, ¡ni Ara Malikian toca con tanto nervio!  

Así que de nuevo nos vemos envueltos en pentagramas y claves de sol. Que si afina esa cuerda, que si pon el metrónomo… el objetivo:

¡¡Volveros a sorprender con el talento artístico de nuestros alumnos!!